Los 20 mejores “momentos de guitarra” de The Edge

La revista Guitar.com realizó una lista de las 20 mejores canciones, creaciones y momentos sonoros que The Edge ha realizado a lo largo de su carrera, y aquí lo traducimos para ustedes.


“Han pasado cuatro décadas desde que Boy, el álbum debut de U2, presentó al mundo las líneas angulares de guitarra empapadas de delay de The Edge. Desde entonces, la banda ha conquistado las ondas y los escenarios del mundo en una serie de encarnaciones diferentes, que van desde abanderados del new wave serios y políticamente cargados hasta musicólogos de art-rock con los ojos abiertos de par en par y proveedores de rock alternativo cargado de ironía y siempre en adelante.

En el corazón de su sonido, el guitarrista de U2 ha pasado por su propio proceso de constante reinvención. Pero a pesar de que su setup ha crecido de un par de guitarras, un puñado de pedales, un Vox y algo de cinta gaffa para convertirse en un equipo de gira que parece un almacén de Guitar Center, se mantuvo un paso por delante de sus imitadores, logrando refinar pero nunca desechando la sencillez y franqueza de su interpretación.

The Edge ha hablado a menudo sobre estar “en desacuerdo” con la guitarra; y ha caracterizado su interpretación como una “lucha o pelea” con el instrumento. Aquí, elegimos 20 batallas que definitivamente ganó, algunas contra todo pronóstico, entre un exhaustivo catálogo de exploraciones sónicas.


20 – One

Al final de su primera década conquistando la música, U2 pudo haber sido la banda más grande del mundo, pero no todo estaba bien. Volviendo a grabar la continuación del inflado paso en falso Rattle And Hum en los Hansa Studios de Berlín, embrujados por David Bowie, en octubre de 1990 (el mes en que Alemania se reunió oficialmente), la banda se vio acosada por el temido cliché: las diferencias musicales. Bono y The Edge querían experimentar con elementos de la danza, mientras que Adam Clayton y Larry Mullen querían volver al sonido antiguo y no estaban de acuerdo sobre la calidad de su nuevo material.

Sin embargo, lo superaron cuando una canción descendió sobre ellos en una jam session para descubrir su antigua química y reunirlos. One comenzó su vida como una sección intermedia propuesta para una canción diferente, pero sufrió una mayor transformación cuando el productor Brian Eno los persuadió para deconstruirla; Daniel Lanois y The Edge eliminaron las partes acústicas y en su lugar agregaron una guitarra más agresiva para socavar el sonido general que era “demasiado hermoso”. Lograron su objetivo, con The Edge envolviendo la canción en capas de algodón de la marca Gibson para su introducción antes de agregar un paisaje sonoro desgarrador en capas de curvas lacrimógenas de la Les Paul de Daniel Lanois y una serie de licks modulados, construyendo para siempre el outro himno de la canción.


19 – Mysterious Ways

Con la melodía improvisada que habían titulado Sick Puppy que ya había proporcionado la semilla de One, que eventualmente se convertiría en su mejor canción, la banda volvió a la idea para ver si podían convertir el resto en algo. Sick Puppy consistía en una línea de bajo rodante de Adam Clayton sobre un ritmo de baile de una caja de ritmos, pero se hizo un gran avance cuando The Edge encontró un preajuste espeso basado en auto-wah en su procesador de señal de rendimiento Korg A3, con la guitarra SPC-01 a mano. Se le ocurrió el riff de un solo acorde y dos notas increíblemente simples pero poderosas de la canción. Las lecciones parecen ser que nunca debes abandonar a un “cachorro enfermo” y nunca debes descartar un preset, incluso si se llama “Funk Wah“.

En vivo, The Edge usa un modelo Rickenbacker 330-12 para Mysterious Ways, sintonizado en Mi ♭.


18 – With Or Without You

Otra canción, como One, que se formó en el estudio mientras la banda tenía temores de sequía creativa. Hablando sonoramente, With Or Without You fue un gran paso adelante para U2. Es la primera canción de U2 que presenta a Bono cantando en un registro grave y confesional a la vez, y Larry Mullen experimentando con una batería mejorada electrónicamente; pero el ingrediente clave fue una vez más The Edge, que al usar un prototipo de la Infinite Guitar que acababa de recibir, añadió una cualidad inquietante similar a un E-Bow, que elevó su sonido.

Es otro ejemplo de simplicidad ganadora y fue el primer sencillo número uno de la banda en Estados Unidos. The Edge cree que el riff triunfal al final de la canción es un resumen de su enfoque minimalista de guitarra, y le dijo al autor Bill Flanagan en 1996: “El final de With Or Without You podría haber sido mucho más grande, mucho más clímax, pero tiene este poder que creo que es aún más potente porque está retenido “.

El prototipo de Infinite Guitar fue creado por el amigo de Edge, Michael Brook. Era un kit basado en una Squier Stratocaster modificada con un sostenedor incorporado creado a partir de la retroalimentación entre un transductor electromagnético y una pastilla Seymour Duncan, emparejado con una unidad dedicada montada en rack. La configuración le ha dado varias descargas eléctricas a Dallas Schoo, el técnico de guitarra de The Edge.


17 – Desire

U2 siguió el fenomenal éxito de The Joshua Tree de 1987 con lo que fue prácticamente la declaración más básica posible: el deseo. Desire, el primer single de Rattle And Hum, comienza con un estruendoso acorde de Mi abierto antes de convertirse en una interpretación cruda y ardiente de 1969 de los Stooges, basado en el ritmo atemporal de Bo Diddley.

Sin embargo, The Edge aparentemente no pudo resistirse a subvertir la fórmula simplista utilizando una de las creaciones de guitarra más lujosas del rock ‘n’ roll, la Gretsch 6137 White Falcon, para entregar esta explosión de ritmo refrescante y sin adornos. También agregó un solo frenético de John Lee Hooker a gran velocidad y una sección intermedia con un efecto de falso estilo killswitch y algo de modulación que dobla el cuello, todo muy lejos de los efectos de guitarra de estilo Starship Enterprise con los que se había asociado.

Gracias a Desire, U2 ganó el Grammy de 1988 a la Mejor Interpretación de Rock por un Dúo o Grupo con Voz y fue el primer No. 1 de U2 en el Reino Unido.


16 – A Sort Of Homecoming

Después de que el disco War de 1983 y la gira convirtieran a la banda en un monstruo de rock de arena al acecho, U2 vio el camino predecible trazado ante ellos y colectivamente se decidió por un cambio creativo que los llevaría en una dirección más artística. El productor Brian Eno y el ingeniero Daniel Lanois fueron convencidos de que se unieran. Eno quedó frío por su falta de sencillez, pero intrigado por la idea de experimentar con el sonido de la banda en el ambiente de Slane Castle en el condado de Meath.

Abriendo el disco, A Sort Of Homecoming salta de los altavoces con el resultado de sus muchos experimentos. Impulsado por ritmos más sofisticados que antes, es un paisaje sonoro asombroso inundado de capa tras capa de reverberación y delay celestiales: sus arpegios relucientes se derrumban en ondas de armonía exuberante, atemperadas con la fisicalidad de rasgueos de cuerdas, cuerdas abiertas, pistas de delay, deslizamientos de dedos, la acústica y los agudos del Vox de The Edge… es un monumento subestimado a los poderes sónicos atmosféricos que el guitarrista puede invocar desde su configuración.


15 – Love Is Blindness

Bono escribió esta canción durante las sesiones de Rattle And Hum en el piano, con la intención de enviársela a Nina Simone, pero aunque la banda decidió que no era “suficientemente U2” para poner en ese álbum, la mantuvieron de todos modos. La canción resurgió durante la realización de Achtung Baby, cuando Edge estaba pasando por un divorcio. Cuando llegó el momento de grabar el solo de guitarra para la canción, vertió toda su emoción en un frenesí de trémolo catártico y enojado.

Bono recordó que: “Cuando grabamos la toma, se rompió una cuerda y él siguió tocando cada vez más fuerte. Otra cuerda se rompió. Y él tiene un toque tan ligero… normalmente es tan gentil. Todo eso lo dejó por una especie de rabia. Y, sin embargo, no hay una sola nota errada ahí “.

The Edge recuerda en una entrevista: “Durante la sesión salió la idea de que distraer a los músicos durante el transcurso de la ejecución a veces, especialmente en los solos, puede sacar al músico de un camino predecible, por lo que estaban tratando de golpearme y yo no estaba disfrutando este concepto en absoluto. Así que me detuve y más o menos les dije que me dejaran en paz. Luego toqué el solo que terminamos usando, y es uno de mis favoritos”.


14 – Zooropa

Comenzando con un dramático collage de sonido de ciencia ficción de piano, bajo, fragmentos muestreados de voces de radio y otras fuentes de sonido, Zooropa pronto se ve dominada por su poderoso riff principal, que combina un pedal de filtro con dos retrasos en diferentes configuraciones para renderizar lo que se está reproduciendo debajo y dejarlo prácticamente irreconocible.

Como excelente ejemplo del enfoque fastidioso de U2 hacia el reciclaje, The Edge armó el demo compilando una grabación de una jam session de Dublín con los mejores fragmentos de una grabación en cassette de una prueba de sonido de unos años antes. Un enfoque de collage de composición perfectamente acorde con las aspiraciones posmodernas de U2 en ese momento.

The Edge obtuvo su primer crédito de producción en un álbum de U2 con Zooropa, apareciendo como coproductor junto a Flood y Brian Eno.


13 – Unknown Caller

No Line On The Horizon de 2009 presentó una serie de canciones creadas en un estudio improvisado en un Riad en Fez, Marruecos durante un período de dos semanas, un momento fructífero para la banda. Uno de ellos, Unknown Caller, ejemplifica la mentalidad de “todo vale” de esas sesiones. Comenzando con el canto de los pájaros (el más típico de los clichés del rock de arena), pone las partes dobladas de guitarra de The Edge al frente y al centro; los ritmos inusuales de acordes apretados contrastan con audaces arpegios repicantes y líneas de una sola nota, mientras que Bono entona mensajes de texto misteriosos y surrealistas antes de dar paso a un interludio con una trompa francesa y un órgano de iglesia.

El solo de guitarra de la canción, una improvisación melódica vertiginosa que es lo más parecido a la ejecución del rock convencional de la que The Edge siempre se desvía, es el de la cinta de la interpretación original. Fue una sola toma.

Dallas Schoo, su técnico de guitarra dijo en una entrevista que este era “uno de los solos más importantes de Edge en su vida; no lo escucharán mejor que eso en ninguna otra canción”.


12 – Gone

El disco Pop de 1997 fue descrito retrospectivamente por Bono como “la sesión de demos más cara en la historia de la música”, y el espectáculo posmoderno de la gira, con bolas de espejos gigantes en forma de limón y aceitunas en palitos de cóctel altísimos, fue un experimento de ironía ambicioso pero confuso. Pero fue, al menos para The Edge, una oportunidad para extender su alcance sónico, desplegando sonidos como los violentos y fantasmales ataques que se usan en Gone.

El ingeniero y productor del álbum Flood describió el tono, apodado el ‘sonido 747‘, en una entrevista con Guitar Player en 1997: “Él usa su delay Korg SDD con mucho feedback y luego entra en un par de pedales fuzz diferentes y un pedal Whammy. Uno de los pedales fuzz era un Fuzz Face. No puedo recordar qué era el otro, para ser sincero. Pero la forma en que lo configuró, la guitarra comienza a retroalimentarse (a hacer acople) de una manera controlable que suena muy incontrolable “, y agregó que usó una Epiphone o Gretsch de cuerpo semi hueco con la configuración.


11 – New Year’s Day

The Edge no es solo un guitarrista, como lo demuestra este primer Top 10 del Reino Unido lanzado en 1983. En vivo, tendría que tocar armónicos sostenidos de 12º y 7º traste a través del delay, para luego alternar hábilmente entre el piano y la guitarra en un solo tiempo de compás, mientras está sentado. Es un cambio de mentalidad complicado pasar de una melodía de piano resonante a tocar el abrasador solo de guitarra de la canción, comenzando en el traste 19 de la cuerda Mi alta, y aunque puede ser un desafío ergonómico de su propia creación, sigue siendo un truco impresionante para lograr.


10 – Bad

Esta canción, una de las favoritas de los fanáticos de U2 y de The Unforgettable Fire, marcó el momento en Live Aid que los impulsó al mega estrellato: Bono sacó a un fan de la audiencia y bailó con ella mientras la banda reproducía el riff de la canción se convirtió en un momento decisivo en la mitología del rock de la época.

Aunque fue un acto espontáneo, el momento no podría haber sido mejor elegido para demostrar la capacidad de The Edge para transformar un puñado de notas simples a través de un delay en una experiencia rica, hipnótica y cuasirreligiosa: la banda había elegido grabar en Slane Castle para hacer su álbum con el sonido más vivo posible, y ahora que estaban frente al mundo, la presentación de Live Aid mostró exactamente lo que estaban tratando de capturar.

The Edge dijo en una entrevista a Guitar World: “[Con Bad], recuerdo haber trabajado con Brian Eno, y la idea era mantener este mantra de dos acordes, seguir y seguir mientras pudiéramos soportarlo, y luego bam! Hicimos este cambio de acorde y fue dramático. Canciones así me fascinan ”.

Te invitamos a leer
BAD en Live Aid – Los 12 minutos que catapultaron la carrera de U2

9 – Sunday Bloody Sunday

La canción que abre el disco War de 1983 fue escrita por The Edge durante un período de dudas: en el documental It Might Get Loud, recuerda: “Recuerdo haber pensado, bueno, ¿puedo escribir? ¿Soy un escritor, o solo soy un guitarrista?”. La pieza musical que “se apresuró a dejar” se convirtió en Sunday Bloody Sunday, una declaración política audaz y apartidista, en parte inspirada por el incidente de 1972 en Derry, donde las tropas británicas mataron a manifestantes desarmados por los derechos civiles.

Sobre el ritmo de tambor marcial de Larry Mullen Jr. (grabado en una escalera resonante en un estudio de Dublín), The Edge elige un arpegio de llamada de clarín, agrega barchords rasgados y un interludio armónico antes de su solo, que encapsula toda su ira y frustración, primero en un descenso y luego asciende a lo largo de la segunda cuerda (Si), ordeñando las disonancias de la primera cuerda (Mi) que suena abierta por todo lo que valen en el camino.

Como dato anectdótico, el violín eléctrico de la canción lo tocó Steve Wickham, quien conoció a The Edge en una parada de autobús en Dublín y preguntó si U2 quería algún violín en su álbum.


8 – Even Better Than The Real Thing

Cuánta diferencia hace un pedal…

Inicialmente, poco más que un riff similar a los Rolling Stones de las sesiones de Rattle And Hum, Even Better Than The Real Thing cobró vida cuando Edge compró un pedal DigiTech WH-1 Whammy y agregó la sorprendente introducción de dos octavas arriba de la canción. En última instancia, el producto final es un tour de force de un riff pegadizo, que culmina en un solo de slide magistralmente armado, donde The Edge construye la energía de la canción de nuevo, progresando desde un comienzo lánguido hasta un clímax de efecto Doppler: por cierto, incluso su estilo de slide es poco convencional, dado que toca sus partes deslizantes en afinaciones estándar y usa el cuello de botella en su dedo medio, en lugar de la opción más convencional de tercera o cuarta.

La canción originalmente se llamaba The Real Thing, pero la renombraron cuando Brian Eno insistió en que la canción tenía que ser “más irónica”.


7 – I Will Follow

El principio. El primer track de U2 de su álbum debut es un clásico instantáneo del post-punk y es su canción en vivo más interpretada. Con una letra sofisticada y enigmática que Bono escribió desde la perspectiva de su madre, el lick fascinante y la línea de bajo amenazante de I Will Follow se combinan para dejar una impresión indeleble: el famoso clip de It Might Get Loud, donde The Edge enseña el riff a Jimmy Page y Jack White, subraya su energía eterna del rock ‘n’ roll.

No es que la canción no insinuara profundidades ocultas en su sonido: el productor Steve Lillywhite agregó juiciosamente un metalófono, y Bono reveló que: “La percusión en la caída era una bicicleta girando, con las ruedas hacia arriba y tocada como un arpa con un tenedor de cocina.”

The Edge usó su Gibson Explorer de 1976 para la grabación del primer álbum, y dice que su falta de respuesta de graves fue un factor en la definición de su sonido. “Solía ​​mantenerme alejado de las cuerdas bajas, y muchos de los acordes que tocaba eran muy agudos, en las primeras cuatro o incluso en las tres cuerdas. Descubrí que al usar esta área del diapasón estaba desarrollando una forma muy estilizada de hacer algo que otra persona tocaría de manera normal”.


6 – Until The End Of The World

Judas Iscariote traiciona a Jesucristo en este festival de riffs de proporciones bíblicas de Achtung Baby; sin embargo, no nos disculpamos por la cantidad de canciones de ese álbum en esta lista: The Edge había llevado su interpretación a un plano superior de expresividad y libertad creativa.

Until The End Of The World comienza con un chillido de arenque rojo de Whammy tortuosamente ecualizado antes de lanzarse a una serie de golpes de martillo neumático de hard-rock, octavas, ráfagas de trémolo, armónicos característicos y un solo de guitarra lleno de deslizamientos de cuerdas y Legato al estilo Slash que despega a partir de oleadas de contaminación acústica. El extracto de It Might Get Loud, donde demuestra la canción sin acompañamiento, ofrece una nueva apreciación del oficio involucrado.


5 – Beautiful Day

All That You Can’t Leave Behind de 2000 reconcilió los aspectos antiguos y nuevos del sonido de U2, reuniendo a la banda con Brian Eno y Daniel Lanois. Bono afirmó más de una vez que la banda estaba “volviendo a postularse para el trabajo de la mejor banda del mundo”, y después de las peripecias del álbum anterior, Pop, se escuchó a un U2 muy revitalizado cuando Beautiful Day se hizo escuchar por el mundo.

En esta, la canción de rock más exultante para mencionar la pesca del atún jamás escrita, mezcló con buen gusto la experimentación electrónica de Eno mientras resucitaba el sonido clásico de la guitarra Edge: cuando Edge cambió sus unidades Explorer, Vox y delay para crear su riff final, la banda inicialmente se mostró reacia a regresar a una firma tan central de su pasado. Pero The Edge ganó, agregando la pieza final a una sinfonía de guitarra que mezcló tonos y partes dispares en un todo triunfante.

Michael Stipe de R.E.M. es el mayor fan de la canción y dice: “Desearía haberla escrito y ellos saben que desearía haberla escrito. Me hace bailar; me enoja que no la escribí ”.


4 – Pride (In The Name Of Love)

El ingeniero de sonido de U2 Joe O’Herlihy grabó una progresión de acordes de Edge durante una prueba de sonido en la gira War y la idea finalmente se convirtió en la semilla de Pride (In The Name Of Love), la pieza central del álbum The Unforgettable Fire y una de las canciones insignia de U2.

The Edge había actualizado recientemente sus antiguos Memory Men a favor de la claridad superior y las posibilidades de modulación de dos delays digitales Korg SDD-3000 montados en rack, y en esto, sus repeticiones de triplete permiten que las partes engañosamente simples de The Edge suenen en la mezcla o proporcionen una tormenta de propulsión de percusión. El guitarrista ha dicho que es una de sus partes de guitarra favoritas y seguramente es una de las interpretaciones de guitarra más épicas que jamás se haya comprometido con la cinta.


3 – Where The Streets Have No Name

El documental It Might Get Loud tiene una secuencia en la que The Edge escucha sus antiguas demostraciones de cuatro pistas de Where The Streets Have No Name, e incluso en esta etapa de su desarrollo, es deslumbrantemente obvio que el catártico y circular lick inicial que el guitarrista tenía convocado por su sonora Stratocaster de 1973 era un clásico ya hecho.

Quizás fue la presión para hacerle justicia lo que significó que el nacimiento de la canción fue doloroso: tomó dos semanas de trabajo para cruzar la línea, frustrando al productor Brian Eno hasta el punto de que quería borrar la multipista. “De hecho, había decidido hacerlo”, recuerda The Edge. “Pero el ingeniero asistente no quiso ir. Se paró frente a la grabadora y dijo: ‘Brian, no puedes hacer esto’. Y no lo hizo, pero estuvo cerca”.

Daniel Lanois le recordó a la revista Mojo: “Fue un trabalenguas para la sección rítmica, con extrañas longitudes de compás que pusieron a todos de mal humor. Puedo recordar que usaba una pizarra para guiar a todos a través de los cambios como un profesor de ciencias”.


2 – Bullet The Blue Sky

Creando una secuencia discordante inmediatamente después de With Or Without You en The Joshua Tree, en Bullet The Blue Sky encontramos a The Edge canalizando el espíritu de Jimi Hendrix para poner la banda sonora de la apasionada letra de Bono sobre los efectos de la política exterior punitiva de EE. UU. en la gente de países centroamericanos como Nicaragua y El Salvador, donde había presenciado aviones militares y tiroteos en un viaje de Amnistía en 1985.

Bono le habría pedido deliberadamente a Edge que “pusiera a El Salvador a través de un amplificador”, y el guitarrista untó la batería de Larry Mullen al estilo Bonham con sus aullidos de feedback, raspaduras descendentes de slide, efectos de sonido atmosféricos y puñaladas de funk duro con un fuego que rivaliza con el de Machine Gun de Band Of Gypsys.

La conexión con Hendrix se vio reforzada por la inclusión en Rattle And Hum de un extracto de la interpretación de Jimi de The Star-Spangled Banner antes de la presentación en vivo de la pista.


1 – The Fly

Famosamente descrita por Bono como “el sonido de cuatro hombres talando el Joshua Tree”, The Fly animó al cantante a inventar una nueva ‘persona’ para pronunciar los concisos aforismos de la canción. Su voz iba desde un amenazador susurro con ecualizador telefónico a un altísimo falsete del evangelio. Pero con lentes de sol con ojos saltones o no, incluso su contribución a la pista se ve decisivamente eclipsada por el abrasivo paisaje sonoro de seis cuerdas que hace que la canción salga con sacudidas regulares de energía electrizante.

El tono utilizado es una fusión impía de flange, wah, delay y dirt, y como el productor Daniel Lanois ha confirmado que muchas de las partes de guitarra de Achtung Baby se crearon utilizando uno de los dos procesadores Korg A3 que Edge trajo a las sesiones, es seguro asumir que la unidad está involucrada en algún lugar de la cadena de señales.

En vivo, The Edge ha variado las guitarras que solía tocar a lo largo de los años, incluidas una Stratocaster (Zoo TV Tour), una Les Paul (Elevation Tour) e incluso una acústica Line 6 Variax 700 (Vertigo Tour). Se agregaron sonidos de guitarra adicionales a la mezcla original, por así decirlo, sobre la marcha, para crear los artefactos de fase en la introducción de la canción.

Sin embargo, es la sección de solo de la pista donde The Edge realmente se supera a sí mismo, utilizando el trampolín de un ciclo completo de la sección de verso-a-coro de la canción para crear una serie de licks que van desde golpes de barra de golpe hasta carreras descendentes y ascendentes que parecen alcanzar su cúspide antes de encontrar nuevos lugares a donde ir. El último ejemplo de The Edge enjuagando creativamente sus efectos de guitarra para cada gota de contenido emocional, The Fly es su momento culminante de seis cuerdas.

Que bueno que NO le hicieron caso a David Bowie, que cuando visitó a la banda después de que terminaron The Fly, les dijo que deberían volver a grabarla.


U2Chile hace una mención honorífica a otras grandes canciones como: Mofo, Miracle Drug, The Electric Co., Hawkmon 269, The Little Things That Give You Away, Elevation, y bueno, tantas otras.

¿Qué otras canciones crees que merecían estar en el Top 20?
Déjanos tu comentario.

Creditos: Guitar.com

Publica tu comentario